martes, 29 de abril de 2014

proceso de serigrafia

  Se procede a crear un mezcla de laca piroxilina y entonador del color deseado (en este caso azul) para hacer la diferencia de la goma arábiga.


Forramos el marco del bastidor con cinta de enmascarar luego procedemos a aplicar este producto resultante al marco del bastidor.


   Procedamos a bocetar


 Pegar con cinta sobre la mesa el boceto ubicándolo en el centro del bastidor


    Aplicar goma arábiga con un pincel para pasar el diseño al bastidor


    Aplicar la laca piroxilina sobre el bastidor con el rasero 



      Lavar el bastidor para que la goma arábiga arranque laca, dejando el  diseño 





Serigrafia Artistica




En el transcurso de la 2ª Guerra Mundial, los Estados Unidos descubrieron lo apropiado de este sistema para marcar material bélico tanto en las fábricas como en los propios frentes de guerra, donde se recurría a talleres portátiles. 
El desarrollo de la publicidad y el trabajo industrial en serie a partir de los años 50, convirtieron a la serigrafía en el sistema de impresión indispensable para todos aquellos soportes que, por la composición de su materia, forma, tamaño o características especiales, no se adaptan a las máquinas de impresión de tipografía, offset, huecograbado, flexografía, etc. La impresión por serigrafía es el sistema que ofrece mayores posibilidades, pues prácticamente no tiene ningún tipo de limitaciones.

La técnica de la serigrafía adquirió su mayor popularidad en el "Movimiento Pop Art" de la década de 1960. En la actualidad, este método se utiliza cada vez más en bellas artes y en impresiones comerciales de pequeña tirada.  

La palabra serigrafía tiene su origen en la palabra latina "sericum"(=seda) y en la griega "graphé" (=acción de escribir, describir o dibujar). Los anglosajones emplean el nombre de Silk-screen (pantalla de seda) para las aplicaciones comerciales e industriales, y el de Serigrafía para la reproducciones artísticas, aunque en la actualidad se ha impuesto este último para todas las técnicas de impresión que tienen su origen en el tamiz, sea del material que sea: orgánico, sintético, metálico, etc. 

Este sistema, por sus especiales características, permite imprimir sobre cualquier soporte: blanco, transparente o de color, grueso o fino, áspero, rugoso o suave, de forma regular o irregular, mate, semimate o brillante, pequeño o grande, de forma plana o cilíndrica, y se pueden emplear todo tipo de tintas, previamente formuladas de acuerdo con los materiales en los que se va a imprimir, con diferentes gruesos de capa por depósito de tinta, calidades opacas, transparentes, mates, semimates, brillantes, fluorescentes, reflectantes, barnices y lacas, vinílicas, acrílicas, gliceroftálicas, catalépticas o de los componentes, al agua, etc. Se aplica sobre cualquier tipo de material: papel, cartulina, cartón, cuero, corcho, metal, madera, plástico, cristal, telas orgánicas o sintéticas, fieltro, cerámica, etc., y sin ninguna limitación en el número de colores planos o tramados, pudiendo hacerse la impresión manual o por medio de máquinas. En la actualidad el perfeccionamiento de este sistema es prácticamente absoluto, teniendo mayor calidad cromática y resistencia que otros sistemas más conocidos.

La aparición de los tejidos de poliéster, mallas metálicas de gran finura y resistencia, emulsiones y películas para clichés, ha permitido lograr una perfección en la impresión que la colocan en igualdad de condiciones con otras técnicas más sofisticadas y costosas.



martes, 1 de abril de 2014

quinta clase

26 de marzo del 2014


Del papel al vinilo

Corte y desbasurado de vinilo

diseño en vinilo

comparacion


Del transfer al objeto

Diseño finalizado

Diseñadora gráfica: Jenny Salome Merchan

cuarta clase

 19 de marzo del 2014

Arte optico

El Op art, también conocido como optical art, es un estilo1 de arte visual que hace uso de ilusiones ópticas.
En las obras de op art el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente, por tanto se puede decir que no existe ningún aspecto emocional en las obras. Los elementos dominantes del arte óptico son: líneas paralelas rectas o sinuosas, los contrastes cromáticos marcados, ya sean, poli o bi-cromáticos, los cambios de forma o tamaño, la combinación o repetición de formas o figuras; también utiliza figuras geométricas simples como rectángulos, cuadrados, triángulos o círculos. Tras la Segunda Guerra Mundialaparece una nueva generación de artistas abstractos. No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa. En sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin. El op-art es un movimiento pictórico mientras que el arte cinético es más bien escultórico. En esta época el centro del arte es, definitivamente, Nueva York.

En el op-art se encuentran Víctor Vasarely: Triond, Supernova, Yaacov Agam, con sus cuadros en relieve, Doble metamorfosis III, Bridget Riley:Current, Jeffrey Steele: La volta, Richard Anuszkiewicz: Iridiscencia, Michael Kidner: Azul, verde, violeta y marrón. Otros artistas de este movimiento son Jesús-Rafael Soto, Carlos Cruz Diez, Youri Messen-Jaschin, Julio Le Parc y Zanis Waldheims.
Con el se puede hacer muchas creaciones como la obra de Victor Vasarely y muchas mas


Arte minimalista



El término minimalista, en su ámbito más general, se refiere a cualquier cosa que haya sido reducida a lo esencial, despojada de elementos sobrantes. Es una traducción transliteral del inglésminimalist, que significa minimista, o sea, que utiliza lo mínimo (minimal en inglés). Es la tendencia a reducir a lo esencial. Se aplica también a los grupos o individuos que practican elascetismo y que reducen sus pertenencias físicas y necesidades al mínimo, es también el significado a simplificar todo a lo mínimo. Este significado queda más claro si se explica queminimalismo en realidad quiere decir minimismo. El término «minimal» fue utilizado por primera vez por el filósofo británico Richard Wollheim en 1965, para referirse a las pinturas de Ad Reinhardt y a otros objetos de muy alto contenido intelectual pero de bajo contenido formal o de manufactura, como los «ready-made» de Marcel Duchamp.

webgrafia: http://es.wikipedia.org/wiki/Minimalismo

Marcel Duchamp



Especialmente conocido por su actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del movimiento pop en el siglo XX. Al igual que este, abominó de la sedimentación simbólica en las obras artísticas como consecuencia del paso del tiempo, y exaltó el valor de lo coyuntural, lo fugaz y lo contemporáneo. Duchamp es uno de los principales valedores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento.1



Diseño Óptico y minimalista





boceto minimo y optico


Diagramador: Jenny Salome Merchan


tercera clase

12 de marzo del 2014
Arte pop


El arte pop (Pop Art) fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitistacultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras,1 además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.1


El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto.3 De cualquier forma, el arte pop también es la continuación de ciertos aspectos del expresionismo abstracto, tal como la creencia en las posibilidades de hacer arte, sobre todo en obras de grandes proporciones.3 Del mismo modo, el arte pop era tanto una extensión como un repudio del Dadaísmo.3 Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban los mismos sujetos, el arte pop reemplazaba los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos delmovimiento Dada. Entre los artistas considerados como precursores del movimiento pop están Marcel Duchamp, Kurt Schwitters, Man Ray, Max Ernst y Jean Arp.



Neo pop




El neo-pop es un movimiento artístico que data de los ochenta del siglo XX. Al contrario de lo que se cree habitualmente, el neo-pop (o neo-popart) no es solo una versión actualizada del movimiento artístico pop-art que se dio en los años sesenta y setenta. Aunque las bases son muy parecidas en muchos casos, principalmente el uso de imágenes de la cultura popular y de los medios de comunicación de masas, lo cierto es que el neo-pop va mucho más allá. Debido a la disponibilidad de imágenes mediáticas desde el pop-art ha crecido exponencialmente, también lo ha hecho las maneras de usarlas. No sólo hay más fuentes, sino que el arte en general ha cambiado mucho en estos treinta años, y actualmente todo es posible. No sólo los nuevos materiales aplicados, sino también la combinación de imágenes de diferentes periodos de la historia.

webgrafia: http://es.wikipedia.org/wiki/Neo-pop


Diseño mujer en tecnologia ciencia y sociedad 

Boceto  arte pop y neo pop


pintando con plantillas

exposición de la obra 

Diseñadora: Jenny Salome Merchan


segunda clase

5 de marzo del 2014
Arte Urbano


El término arte urbano o arte callejero, traducción de la expresión inglesa street art, hace referencia a todo el arte de la calle, frecuentemente ilegal. El arte urbano engloba tanto al grafiti como a diversas otras formas de expresión artística callejera. Desde mediados del los años 90 el término street art o, de forma más específica, Post-Graffiti se utiliza para describir el trabajo de un conjunto heterogéneo de artistas que han desarrollado un modo de expresión artística en las calles mediante el uso de diversas técnicas (plantillas, posters, pegatinas, murales....), que se alejan del famoso grafitipero no siempre tiene que ser en paredes pues ahora en el 2013 en la actualidad siglo 21 ya es posible todo, incluso dibujar en forma experta 3D.
Uno es el uso de plantillas (stencil), a menudo con un mensaje político, cobra especial relevancia en París en la segunda mitad de los años 60. Sin embargo, no es hasta mediados de los años 90, con la aparición de artistas como el norteamericano Shepard Fairey y su campaña "Obey" (Obey Giant) (Obedece al gigante), ideada a partir de la imagen del luchador norteamericano Andre The Giant y llevada a cabo mediante el uso de posters y plantillas, cuando las diversas propuestas de este tipo cobran auge en distintas partes del mundo y son percibidas en su conjunto como parte de un mismo fenómeno o escena.
El arte callejero, al integrar sus elementos en lugares públicos bastante transitados, pretende sorprender a los espectadores. Suele tener un llamativo mensaje subversivo que critica a la sociedad con ironía e invita a la lucha social, la crítica política o, simplemente, a la reflexión. Sin embargo, existe cierto debate sobre los objetivos reales de los artistas que actualmente intervienen el espacio público, algunos dañando el espacio privado y en pocas palabras destruyendo es por eso que ahora se les corrige con un buen castigo si es que los llegan a ver.
Cabe mencionar que también a las personas que tienen un talento "nato" se les asigna un lugar apropiado y que sea legal antes que nada, en esos espacios esas personas pueden plasmar diversas cosas obviamente promoviendo temas de sumo interés como contaminación, el agua, la naturaleza, la historia etc. eso si sin ofender de cierta forma a la demás gente que aprecia lo que se puede visualizar.


Banksy

Es el seudónimo de un prolífico artista del street art británico. Se cree que nació en Yate, localidad cercana a Bristol, en 1974, pero los datos acerca de su identidad son inciertos y se desconocen detalles de su biografía. Según Tristan Manco, Banksy "nació en 1974 y creció en Bristol, Inglaterra. Hijo de un técnico de fotocopiadoras, se formó como carnicero pero se vio implicado en el graffiti durante el boom del aerosol en Bristol de finales de la década de 1980". Su trabajo, en su gran mayoría piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y etnias, combina escritura con graffiti con el uso de estarcidos con plantilla (conocidos generalmente como stencils, del inglés). Su arte urbano combina escritura con una técnica de estarcido muy distintiva, similar a Blek le Rat, quien empezó a trabajar con estarcidos en 1981 en París; y miembros de la banda de anarco-punk Crass, que mantuvieron una campaña en las instalaciones del metro de Londres a finales de la década de los setenta del siglo XX e inicios de los ochenta. Banksy reconoció la influencia de Blek diciendo "cada vez que creo que he pintado algo ligeramente original, me doy cuenta de que Blek le Rat lo hizo mejor, sólo que veinte años antes."1 Sus obras se han hecho populares al ser visibles en varias ciudades del mundo, especialmente en Londres.

Colectivo Guacala
¿Cómo surgió la idea de crear ésta red?
Creativos Colombianos nace como el primer Ezine (magazín electrónico) de libre descarga especializado en creatividad y diseño 100% colombianos con la publicación de la edición Nº1 en Abril de 2007. A partir de esa fecha se empezó a construir una gran comunidad de creativos colombianos. A la fecha, la intención no ha cambiado, que es crear espacios, abrir puertas, mostrar al mundo una realidad "real" de un país que desborda de belleza; mostrar lo bueno a través de la voz, las manos, la piel, los sueños de miles de jóvenes que luchan por construir historias... la historia de sus vidas. En Creativos Colombianos entendimos las necesidades de comunicación de nuestros amigos, los creativos, y decidimos crear la primera red social, de ellos para el mundo, una herramienta que mostrara ampliado su talento y su visión de las cosas.
¿Creativos Colombianos o Colombianos Creativos?
Creativos Colombianos es una muestra real de lo que es Colombia, un país GIGANTE, un país que crece de adentro hacia afuera partiendo de su gente, gente cargada de talento, que en muchos casos se desarrolla a partir de la recursividad para sobrevivir. Creativos Colombianos nació con la idea de resaltar el talento del Creativo Colombiano y del Colombiano Creativo. El Creativo Colombiano es aquel individuo nacido en nuestro país que desarrolló talentos en áreas como la música, el diseño, la ilustración, entre muchas otras, y canaliza sus sueños y pasiones a través de éstos. El Colombiano Creativo es aquel que explota su creatividad para vivir el día a día, para sobrevivir.
¿Qué motiva a crear una red de Creativos Colombianos?
Inicialmente nos motivó la idea de levantar el estante y llenarlo de producto: no existía algo igual y se requería. Luego la idea se fortaleció al ver que nuestros amores eran los mismos de miles de personas, la gente con quien nos topábamos por las calles o por Internet. Pero el amor por lo que amamos con intensidad (pasión) es lo que hizo que todo lo anterior tuviera sentido, tomara forma. Ese amor es Colombia. No importa que sea redundante pero hay que decirlo: no es justo tener "guardado" en una jaula un colibrí, no es justo tener el mejor vestido empolvado en un baúl en el San Alejo, no es justo no mostrar la grandeza de un pueblo a través de sus jóvenes. Porque la vida es corta y hay que vivirla con intensidad, nace Creativos Colombianos, porque el tiempo se nos escapa y hay que dejar huella, nace Creativos Colombianos, porque Colombia es motivante, mágica y nos hace vibrar.
Quien desee pautar en los Ezines de Creativos Colombianos puede contactar a Creativos Colombianos en el siguiente link: Contacto para pautas


Colectivo Doma

DOMA es un colectivo de artistas de Buenos Aires compuesto por: Orilo Blandin, Julian Pablo Manzelli (CHU), Matias Vigliano (PARQUERAMA) y Mariano Berberi. Formados en diseño gráfico, ilustración y cine, la producción del grupo se basa en su deseo de usar todos los medios disponibles, es por esto que han creado desde arte callejero, esculturas, instalaciones hasta juguetes de peluche, serigrafías y animaciones. Realizan constantes exposiciones tanto en Sudamérica como en Europa, su trabajo ha sido expuesto en los museos MALBA, MACRO (Argentina), MASP (Sao Paulo) y en reconocidas galerías de Argentina, España y Alemania. Julián Manzelli (CHU), uno de sus miembros  se encuentra por  primera vez en Chile para presentar el trabajo de DOMA con la GKo gallery dentro de la feria Ch.ACO a realizarse del 8-13 de Septiembre. Julián es egresado como Diseñador Gráfico de la Universidad de Buenos Aires, donde ejerce ahora como docente. Además de su trabajo pictórico, en muralismo y en intervenciones, Julián se ha centrado en la creación y producción de series de animación destacando su proyecto GLOBOLAB.

Primera clase

26 de febrero del 2014

Serigrafía.


La serigrafía es una técnica de impresión empleada en el método de reproducción de documentos e imágenes sobre cualquier material, y consiste en transferir una tinta a través de una mallatensada en un marco, el paso de la tinta se bloquea en las áreas donde no habrá imagen mediante una emulsión o barniz, quedando libre la zona donde pasará la tinta.
El sistema de impresión es repetitivo, esto es, que una vez que el primer modelo se ha
logrado, la impresión puede ser repetida cientos y hasta miles de veces sin perder definición.
La serigrafía es un sistema de impresión milenario. Si bien no hay datos exactos, se cree que se remonta a la antigua China, en la que según una leyenda utilizaban cabellos de mujer entrelazados a los que les pegaban papeles, formando dibujos que luego se laqueaban para que quedaran impermeables. Posteriormente se cambió el material por la seda, de ahí proviene su nombre: sericum (seda, en latín) graphe (escribir, en griego).

En la antigüedad se fabricaban unas calcomanías que se aplicaban en los artículos de uso diario, platos, vasos, etc. En Europa se utilizó para imprimir telas, en lo que se llamó "impresión a la lionesa", por ser el lugar en donde se aplicaba este sistema.
Las primeras serigrafías sobre papel (carteles publicitarios) aparecen en Estados Unidos sobre 1916 con una nota pendiente de concesión. La primera patente concedida es para Selectasine en 1918.
Guy Maccoy fue el primero en utilizar la técnica de la serigrafía con fines artísticos. Realizó sus dos primeras serigrafías en 1932; ambas eran alrededor de 9 x 11 pulgadas y tiró aproximadamente 40 copias de cada diseño. En 1938 tuvo su primera exposición individual, la primera de serigrafías en una galería.



Proyecto skape

Los diseñadores gráficos utilizan cualquier soporte para mostrar sus creaciones. Igual las encontramos en camisetas, como por ejemplo en esta ocasión el soporte es unatabla de "skate" decoradas con excelentes ilustraciones muy creativas que he encontrado enBlog.SpoonGraphics encontramos una muy buena colección de 220 diseño de ilustraciones impresionantes para tablas de "Skateboard", que podemos localizar en el artículo 220+ Stunning Creative Skateboard Graphics.